a d e p t n e s s
...t i m e...
Привет, Гость
  Войти…
Регистрация
  Сообщества
Опросы
Тесты
  Фоторедактор
Интересы
Поиск пользователей
  Дуэли
Аватары
Гороскоп
  Кто, Где, Когда
Игры
В онлайне
  Позитивки
Online game О!
  Случайный дневник
BeOn
Ещё…↓вниз
Отключить дизайн


Зарегистрироваться

Логин:
Пароль:
   

Забыли пароль?


 
yes
Получи свой дневник!

a d e p t n e s s > Information`




среда, 9 июля 2014 г.
Архитектура Индии ВеликоеНечто 16:24:25
АРХИТЕКТУРА ИНДИИ

­­

Архитектура эпохи Маурья (4-2 века до нашей эры)
Правление династии Маурья было вроменем строительства городов, дворцов и дорог, и конечно храмов. Наиболее известный из императоров Маурья - Ашока 1, объединивший север Индии и часть совеременого Непал и объявивший буддизм государственный религией, прославился строительством дворцов, буддийских ступ и стамбха - колонн с фигурами на капители, некоторые из которых сохранились до наших дней в Непале..
Ступы представляют собой аналог христианских часовен. Ступы - полусферы из кирпича или камня, сооруженные для заложения какой-либо буддийской святыни или просто текста. Реликварий находится над куполом слупы и большом металлическом кубе, на котором нарисованы "глазы Будды" и который увенчивает шпиль. К этому периоду относится ступа в Санчи, построенная из кирпича и облицованная камнем. Ступа, судя по фото, довольно обычная, но вот ограда и ворота у нее очень интересные - каменные, созданные в технике деревянного забора..
Ступа Будднатх близ Катманду (Непал) Самая большая ступа Будднатх находится близ Катманду в Непале. Сооружение поражающее воображение, особенно когда идешь по куполу над домами и монастырями прямо по кромке неба. Но больше всего запомнился мне Будднатх круговым обходом, по которому под нескончаемое Om mani padme hum бродят толпы местных буддистов, преимуществено тибетских стариков и старушек, монахов, туристов.
В этот период начинается строительство пещерных храмов.

После Маурья развитие храмовой архитектуры в Индии почти непрерывно и идет по нарастающей.
Первые века 1 тысячелетияч - время Кушанского государства (центральная Индия и средняя Азия) и Гандхары (Пенджаб, Афганистан).
К этому периоду относятся ступа Амаравати и храм в Бодгайе, чайтьи ("молитвенные залы" - пещерные храмы со ступой внутри) в Карли, Бхадже и первые залы в Аджанте, и многочисленная скульптура.
Сначала появляются первые пещерные храмы, только буддийское, следом индуистские и джайнские.
Происходит разделение Нагара - северного стиля храмовой архитектуры, отличающегося криволинейными башнями, и южного стиля Дравида с его храмами в форме обрезанных пирамид.

Орисский стиль(8-13 века)
Ранние образцы этого стиля сравнительно небольшие храмы, состоящие из оформленных мандапы и вихары (до 16-18 метров высотой и длиной) например храм Парашумавар в Бхубанешваре. Более поздние - например храм Лингараджа состоит из 4 частей, расположенных на одной оси: зал для приношений, танцев, главный зал, святилище, причем шикхара вырастает до 40 метров, а территория храма обносится высокой стеной. Шикхара состоит из горизонтальных, резных слоев и заканчивается небольшим барабаном. Вокруг центральной мандапы располагаются маленькие храмики. К этой школе принадлежит и колоссальный (длиной более 100 метров и высотой 65 метров), но не завершенный храм Солнца в Конараке, и храм Джаганнатха в Пури.

Стиль Соланки(10-12 века)
Стиль храмовой архитектуры Соланки (Solanki), зародился в Гуджарате. Храм имеет традиционный план, украшается многочисленными скульптурами и рельефами, которые проектировались и располагались послойно, создавая игру света и тени. В редких случаях зал имеет больше ярусов, чем один. Храм в Sunak (10-ое столетие), храм Солнца в Modhera (11-ое столетие), Храм Vemala в Abu (11-ое столетие) и Храм Somnath в Катхияваре (12-ое столетие) - некоторые из лучших примеров этого стиля архитектуры.

Стиль Пандья(1100-1350 годы)
Архитектура Пандья главным образом сконцентрировался на гопураме, главном входе. Типичный гопурам того времени состоит из здания, продолговатого в плане, переходящего в сужающуюся башню с прямоугольным дверным проемом в центре его длинной стороны. вводя Пандья также вводят более сложное украшение и большие скульптурные изображения, много колонные залы, новые пристройки, и даже бассейны как к мандапе, так и к башням на воротах. В этот период храм теряет свое центральное место в ансамбле уступая его гопураму. Яркие примеры гопурамов Пандья -. Sundara Pandya gopuram, добавленный к храму Jambukesvara приблизительно 1250 нашей эры и гопурам большого храма в Kumbakoman (1350 нашей эры)



Категории: Information`, India`, Architecture`
Прoкoммeнтировaть
Взаимодействие музыки и изобразительного искусства. ВеликоеНечто 09:20:20
Взаимодействие музыки и изобразительного искусства.

­­

Взаимодействие красок и звуков, музыки и живописи существует издавна как в природе, так и в искусстве. Еще Аристотель писал о том, что цвета по красоте и гармонии могут соотноситься между собой подобно музыкальным созвучиям. В Древней Индии существовал род живописи на музыкальные темы – ваника, в которой семь звуков гаммы сопоставлялись с семью цветами, а мелодия с определенной графической формой. Пытаясь сделать музыку видимой, аббат Кастель в ХVIII веке создал так называемый «цветной клавесин».

В девятнадцатом веке появилось художественное направление в живописи, связанное также с музыкой и театром - импрессионизм. В живописи импрессионизм характеризовался тонкой передачей сиюминутных впечатлений, мозаичными штрихами чистых красок, особым вниманием к колориту. В музыке импрессионистов та же фиксация неуловимых настроений, «туманные переливчатые звучания» (В. Г. Каратыгин), красочность звуковых пятен, чистые тембры. Музыкальные пейзажи К. Дебюсси – блестящие примеры импрессионистской звукописи («Море», «Лунный свет», «Ароматы и звуки в вечернем воздухе реют» и др.). ХIХ—ХХ века отмечены также поисками Р. Вагнера, А. Скрябина, А. Белого, М. Чюрлениса, С. Эйзенштейна и др.
Существует семантическое родство между колоритом в живописи и тембром в музыке. Показательно, что колорит является одним из важнейших средств эмоциональной выразительности в живописи; в музыке же колорит /тембр/ — один из главных факторов изобразительности. «В живописи колорит — наиболее музыкальный элемент, в музыке — наиболее живописный. Таким образом, в каждом из этих искусств колорит как бы ведет в сторону другого, вторгается в его область. В своем колорите музыка и изобразительное искусство словно тянутся навстречу друг другу. И когда они соединяются, колорит оказывается звеном их синтеза, точкой их соприкосновения» (В. В. Ванслов).

Примеры взаимосвязи звука и цвета многочисленны как в музыке, так и в живописи. Так, В.Кандинский соотносил с определенным цветом тот или иной музыкальный тембр: голубой ассоциировался у него с тембром флейты, красный — трубы, синий — виолончели.
Выдающиеся русские композиторы Н. А. Римский-Корсаков и А. Н. Скрябин обладали так называемым «цветным слухом». Каждая тональность представлялась им окрашенной в определенный цвет и в связи с этим имела тот или иной эмоциональный колорит. Так, до-мажор у Римского-Корсакова — белый; до-минор — багряный, трагический; ми-мажор — сумрачный, серо-синеватый. Однако синопсия /цветной слух/ не является единственной формой взаимодействия звука и цвета. У некоторых композиторов зрительно-цветовые представления настолько сильны и ярки, что приводят к созданию звуковых, музыкальных образов. Например, как отмечает В.Н.Холопова, вдохновение зримыми красками присуще творческой индивидуальности Э.Денисова. Некоторые его сочинения вдохновлены созерцанием красок заката над Ладогой — переливами цвета, игрой света в воздухе и на воде.

Сопоставления музыки и живописи не ограничиваются лишь областью колорита, тембра. Ж.-Ж. Руссо уподоблял мелодию в музыке рисунку в живописи; Б. В. Асафьев «душу музыки» видел в мелодии, «душу живописи» — в рисунке. Известный художник М. Сарьян писал: «Если ты проводишь черту, то она должна звучать, как струна скрипки: или печально, или радостно. А если она не звучит – это мертвая линия. И цвет то же самое, и все в искусстве так».
Ритм также является основой не только поэзии и музыки, но и неотъемлемым компонентом архитектуры и живописи. Семантически родственны, считает И. И. Иоффе, ритмы стройных, восходящих линий в архитектуре и живописи, стройных восходящих голосов в музыке, восходящих лирических чувств в литературе. Это позволило И. Гёте дать замечательное определение архитектуры как застывшей музыки, а Ф. Шлегелю определить музыку как движущуюся архитектуру.
Как отмечает И. И. Иоффе, «зрение и слух, свет и звук с первых моментов своего культурного бытия выступают совместно. Семантическое единство зрения и света, слуха и звука опиралось на единство человеческой деятельности, целостность его ориентации в мире».


Категории: Information`
Прoкoммeнтировaть
Гюстав Доре ВеликоеНечто 09:12:40
Гюстав Доре

­­

Гюстав Доре (1832 – 1883) — французский гравёр, иллюстратор и живописец.
Этот художник – выдающийся представитель европейского искусства второй половины XIX века, он занимает исключительное место в мировой истории иллюстрации. У мастера не было специального художественного образования, гравюру и живопись он изучал самостоятельно в Лувре и Национальной библиотеке. Известно, что день Доре делил на три части: с утра занимался графикой, полдень посвящал живописи, вечером снова возвращался к графике.

В пятнадцать лет юный умелец уже был принят оформителем в сатирическую газету Journal Pour Rire. В 1847 году был издан альбом литографий «Подвиги Геркулеса», в котором указывалось, что автор этих литографий — пятнадцатилетний художник, выполнивший их без учителя и классических штудий.

В 1854 году появляются иллюстрации к «Гаргантюа и Пантагрюэлю» Рабле. В 1860-х годах — рисунки к поэме «Божественная Комедия» Данте, а также к сказкам Шарля Перро, басням Лафонтена, «Приключениям барона Мюнхгаузена» и «Дон Кихоту». Теофиль Готье так сказал про работы к «Дон Кихоту»: «Какой дар! Какое богатство мысли, силы, интуитивная глубина, какое проникновение в сердце различных вещей!».

Гравюры этого мастера легко узнаются. Складка платья, листок на дереве, морская волна или лицо в толпе выполнены художником с необыкновенной реалистичностью, точностью и мастерством. Вторая особенность Гюстава, которая выделяет его из числа прочих талантливых иллюстраторов, — его универсальность. Он одинаково тщательно и вдохновенно рисует сатирические картинки для газеты, оформляет детские книги, иллюстрирует религиозную и философскую литературу. Безусловно, отдельного внимания заслуживают его иллюстрации к Библии.

Подробнее…
­­ ­­ ­­ ­­ ­­ ­­ ­­ ­­ ­­


Категории: Гюстав Доре`, Information`, Picture`
Прoкoммeнтировaть
Павел Дмитриевич Корин ВеликоеНечто 09:08:18
Павел Дмитриевич Корин

­­

Л Д. Корин - одна из самых крупных, сложных и трагических фигур в русском искусстве XX в.

Родился он в знаменитом селе Палех в семье потомственных иконописцев. Жизненная стезя была предопределена. Однако талант требовал развития. Корин перебирается в Москву, в 1911 г. становится помощником М. В. Нестерова в работе над росписью церкви Марфо-Мариинской обители.

Встреча с Нестеровым, понимавшим искусство как духовный подвиг, а также другая "встреча" - с творчеством А. А. Иванова, преклонение перед его подвижнической жизнью укрепили в Корине мечту отдать всю жизнь служению искусству, достичь высот мастерства, стать продолжателем великих традиций русской живописи.

В 1916 г. Корин заканчивает МУЖВЗ, но, неудовлетворенный своими первыми самостоятельными работами, осознает, сколь далек заветный идеал, сколь труден путь к намеченной цели.
В 1918-25 гг., в самый разгар смуты в стране и в искусстве, Корин словно несет добровольное послушание: много рисует, копирует, изучает анатомию. Он убежден, что новые и новейшие художественные течения не расширяют, а резко сужают возможности художника, не дают ему в руки достаточных пластических средств, что это движение не вверх, а вниз.

В 1925 г. Корин, как некогда А. А. Иванов, обретает свою тему. В апреле этого года умирает патриарх Тихон. В Москву на его похороны собирается вся православная Россия. Потрясенный увиденным ученик Нестерова, православный русский человек, Павел Корин осознает себя художником этой России, казалось бы обреченной, но продолжающей жить, уверенной в своей духовной правоте. Он задумывает изобразить крестный ход во время похорон патриарха.

Вскоре началась работа над подготовительными этюдами к картине, которую Корин назвал "Реквием". Одновременно художник создает первую крупную работу - панорамный пейзаж "Моя родина" (1928). Это вид на Палех издали. Корин словно прикасается к родной земле, набираясь сил для воплощения грандиозного замысла. Он вновь словно клянется в верности великой национальной традиции, своим постоянным учителям - А. А. Иванову и М. В. Нестерову. Работа над этюдами к большой картине заняла десять лет.

Последний портрет - митрополита Сергия, будущего патриарха - написан в 1937 г. Исполненные с редкой для искусства XX в. пластической мощью этюды вместе составляют уникальную портретную серию. Православная Русь - от нищего до высших церковных иерархов - предстает перед зрителем. Персонажи объединены общим состоянием, полны внутреннего духовного огня, но при этом каждый обладает индивидуальным характером.

В 1931 г. мастерскую Корина неожиданно посещает М. Горький. От него картина получила новое название - "Русь уходящая", что исказило первоначальный замысел, но и "прикрыло" художника от возможных нападок. Благодаря Горькому, братья Павел и Александр Корины едут в Италию. Там они изучают работы старых мастеров, Павел Дмитриевич пишет пейзажи и известный портрет Горького (1932). В это время окончательно складывается живописный стиль Корина: мощная пластическая лепка, чеканная и обобщенная форма, сдержанная и одновременно насыщенная цветовая гамма с введением отдельных цветовых акцентов, живопись плотная, многослойная, с использованием лессировок (Корин - блестящий знаток техники живописи).


Категории: Павел Дмитриевич Корин`, Information`
Прoкoммeнтировaть
Сандро Боттичелли ВеликоеНечто 08:40:34
Сандро Боттичелли

­­

Представитель эпохи Возрождения,а так же Флорентийской школы живописи.Великий итальянский художник - Сандро Боттичелли родился 1 марта 1445 г. во Флоренции в семье ремесленника.В 1462 г. пошел на обучение к известному художнику Фра Филиппо Липпи.После 5-ти лет обучения ученик превзошел учителя.
Колорит Боттичелли музыкален,в нем всегда ясен лейтмотив произведения.Его картины волнуют зрителя своей поэзией.
В жизни художника происходят резкие перемены.Некий монах Савонаролла вверг в город серость,страх и уныние.Сжигали все прекрасное.Данное событие,четко отобразилось в памяти художника.Это отразилось и на его картинах - холодные цвета,грустные лица,надломленные позы видны на картинах.Мы можем увидеть это на картинах - "Благовещенье","Пок­инутая","Положение в гроб".

­­"Положение в гроб" ­­"Покинутая" ­­"Благовещенье"

Вскоре Боттичелли становится известным портретистом.Наибол­ее известные - "Портрет неизвестного с медалью Козимо Медичи","Портрет Джулиано Медичи"

­­ ­­

Со временем Ботттичелли делают все более выгодные заказы вне Флоренции,один из таких является приглашение папы римского Сикста |V в Рим для росписи папской часовни,названной сикстинской капелой,эта работа заняла 11 месяцев.

Сандро Боттичелли не был женат,детей у него не было,умер он в одиноестве в 65 лет.И был похоронен недалеко от монастыря Санта Марии Новеллы...


Категории: Information`, Sandro Botticelli`, Picture`
Прoкoммeнтировaть


a d e p t n e s s > Information`

читай на форуме:
зажзинь
Напиши в ЛС О.О
пройди тесты:
каким ты будешь агелом?
Я тебя покупаю. Часть 4.
читай в дневниках:
Кабинет №319
Кабинет №320
кабинет №321

  Copyright © 2001—2018 BeOn
Авторами текстов, изображений и видео, размещённых на этой странице, являются пользователи сайта.
Задать вопрос.
Написать об ошибке.
Оставить предложения и комментарии.
Помощь в пополнении позитивок.
Сообщить о неприличных изображениях.
Информация для родителей.
Пишите нам на e-mail.
Разместить Рекламу.
If you would like to report an abuse of our service, such as a spam message, please contact us.
Если Вы хотите пожаловаться на содержимое этой страницы, пожалуйста, напишите нам.

↑вверх